Depois de longas noites de reflexão e extensos debates online e offline, posso afirmar, com moderada certeza, que sei qual é o principal problema de Sherlock Holmes: A Game of Shadows (ou Sherlock Holmes 2 para os mais preguiçosos). Mas já lá vamos.

Comecemos pelo início. Depois de desvendar o mistério por detrás de Lord Blackwood, Sherlock Holmes enfrenta agora o seu maior desafio... ou melhor, os seus maiores desafios. Para além de medir forças com o temível Professor Moriarty (que trocou as sombras do primeiro filme pelo lugar de vilão principal), tem ainda de enfrentar a inevitabilidade em que se tornou o casamento do seu inseparável colega, John Watson. A química entre Law e Downey Jr. continua a ser um dos grandes atrativos do filme, e neste segundo capítulo mantém o nível a que nos tinha habituado.

O estilo de Guy Ritchie também não é muito diferente daquilo que nos mostrou em 2009. Mantém-se frenético e cativante, graças a um apurado estudo de mercado que o levou a usar, e por vezes abusar, do mecanismo narrativo mais interessante do primeiro filme - o cálculo mental de Holmes. Já o vilão, apesar de não ter por detrás um ator com o peso de Downey Jr. (ou talvez por isso mesmo), consegue convencer-nos que Moriarty não está para brincadeiras (e aqueles 20 minutos finais são magníficos).

Mas então, o que poderá ter falhado? Noomi Rapace (a Lisbeth Salander dos Millennium originais) é mal aproveitada, é certo, mas não é esse o seu maior problema.

O grande problema de Sherlock Holmes: A Game of Shadows está sobretudo na ausência de uma mistério suficientemente forte para sustentar a narrativa. O argumento preocupou-se tanto em estabelecer empatia com o público que se esqueceu de alimentar os protagonistas com um arco narrativo coeso. Pegando no exemplo do primeiro filme: havia o mistério inicial - um homem que conseguiu sobreviver à própria morte - e a partir daí foram-se construindo pequenos mistérios. Em A Game Of Shadows não há nada disso. O argumento limita-se a ir em velocidade cruzeiro até ao seu desfecho.

Obviamente que isso não põe em causa os méritos da reinvenção de Guy Ritchie (o filme continua a ser uma excelente pipoca) mas acaba por deixar no ar uma sensação de oportunidade perdida.

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Para não dizerem que deixei de comentar filmes, aqui vai uma rapidinha com algumas semanas de atraso.

Nada temam senhoras e senhoras, o TinTin do Spieberg vale mesmo a pena. Apesar da animação revolucionária, esta é uma aventura à moda antiga, conduzida com muita classe e imaginação por parte do mestre Steven, que merece figurar ao lado de qualquer Indiana Jones (não o vi em 3D mas fiquei com a sensação de ser dos poucos filmes a merecer uma oportunidade no mundo das três dimensões.).

Tecnicamente é perfeito (põe a uma canto qualquer das experiências de Zemeckis) e vai, indubitavelmente, agradar a miúdos e graúdos que procuram hora e meia bem passada.

Curiosamente, o ponto mais fraco que lhe encontro acaba por ser o próprio TinTin. O protagonista é um totó, que de tão bonzinho até aborrece. Não há nada que nos ligue emocionalmente ao personagem e este acaba por atuar apenas como uma espécie de guia turístico amorfo que nos conduz até ao que realmente interessa. Felizmente que os restantes personagens (em principal o magnífico e alcoólico Haddock de Andy Serkis) têm carisma suficiente para compensar a falta de matizes morais do TinTin.

O facto de seguir a bitola das aventuras clássicas acaba por torná-lo de certa forma previsível mas nada que ponha em causa a sua qualidade e que não possa ser corrigido numa sequela.

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Não é novidade para ninguém: nunca fui o maior admirador dos filmes do Harry Potter. Ao longos dos últimos anos entrava sempre nas salas de cinema com grandes expetativas (os filhos da mãe dos trailers eram sempre tão bons!) e saía inevitavelmente desiludido. Havia algo que não funcionava. Algo que tornava a narrativa frouxa e apressada. O facto de não conhecer os livros e de não dominar o universo em questão tornava a minha experiência inferior, coisa que nunca deveria acontecer.

Mas os filmes também tinham méritos que eu raramente referia. Agora que a coisa chegou ao fim (e todos sabemos que quando as pessoas morrem, os seus defeitos são esquecidos quase instantaneamente - a menos que tenhas sido um maníaco psicopata) chegou a altura de deixar um pouco de lado os meus problemas com a saga e fazer um memorial condigno.

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 é o culminar de uma saga que foi ganhando confiança há medida que os anos foram passando. Foi ficando mais negra, mais adulta e o seu universo foi ficando cada vez mais sólido. Agora que chegou ao último capítulo tudo funciona como um relógio suiço. A mitologia solidificou-se e é agora um universo em plena atividade por direito próprio (e por muito que critiquem a escrita de J.K. Rowling, o universo de Harry Potter é rico, robusto e verdadeiramente mágico)

Há muito que aprendemos a lidar com os atores principais e conhecemos as suas manhas melhor do que ninguém (as questões hormonais de feiticeiros adolescentes já não me chateiam tanto). Conhecemos Hogwarts como a palma da nossa mão (afinal de contas entramos lá quase anualmente durante os últimos 10 anos) e talvez por isso, visualmente, Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 seja tão desconcertante. A magnífica fotografia do Eduardo Serra transforma aquele sítio simpático e mágico, que nos foi apresentado por Chris Columbus em 2001, num cenário pós-apocalítico, perigoso e repressivo. É como se nos tivessem entrada dentro de casa e violado um lugar que julgávamos seguro.

O desfecho é épico como seria de esperar (os rivais enfrentam-se, gente morre, coisas são destruídas. estátuas gigantes são chamadas ao serviço e recuperam-se personagens tão boas como Severus Snape e Minerva McGonagall) e mesmo o epílogo, com um forte potencial para ser ridicularizado, consegue ligar o interruptor da nostalgia e deixar-nos com vontade de começar tudo outra vez. 

Ora deixa-me lá ver onde arrumei o dvd do primeiro filme.

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 Se há coisa que marcou indubitavelmente a minha infância foi o bacalhau assado da minha avó. Ainda hoje começo a salivar que nem um perdido só de pensar naquelas batatas meticulosamente trabalhadas para absorver a quantidade ideal de azeite. Há uns anos tentei reproduzir o prato. Pedi a receita à minha avó e segui tudo à risca. Cortei as cebolas milimetricamente e calculei o azeite necessário para lhe dar o tal sabor especial. O resultado foi bom. Foi provavelmente o melhor bacalhau que já cozinhei mas estava a anos luz do bacalhau da minha avó. Ora, se eu utilizei os mesmos ingrediente e segui as medidas à risca... porque é que isto aconteceu? Não sei. E desconfio que o J.J. Abrams também não sabe.

A ideia por detrás do Super 8 era simples: homenagear o cinema familiar de ficção científica/fantasia dos anos 80. J.J. Abrams chamou uma série de crianças, inseriu-as num bairro americano comum e apresentou-lhes-lhes um elemento de uma outra realidade que os iria levar a viver a aventura das suas vidas (E.T.? Goonies? Gremlins? É só escolher). Não faltaram as referências de aquecer o coração (uma paixão ternurenta pelo cinema ou um colar, símbolo de um amor intemporal) e alguns dramas familiares e rivalidades por resolver. Tudo isto apimentado com um humor inocente e agradável. Está tudo lá, pronto para atacar o glândula da nostalgia e fazer as delícias de quem viveu numa altura em que Spielberg era Deus.

No entanto, a verdade é que a coisa não funciona como nós gostaríamos. A magia perdeu-se algures. Aquela inocência que esperávamos encontrar não está lá. Sentimos desde o início que aquilo não é autêntico apesar de não conseguirmos perceber exatamente porquê. Não sei se a culpa é dos lens flares, do monstro em CGI, ou do déjà vu constante, mas sei que algo falha.

Não me interpretem mal, Super 8 não é um mau filme. As crianças estão surpreendentemente bem, com uma química sincera e palpável, as sequências de ação são fantásticas (atente-se na sequência do descarrilamento) e a narrativa está bem construída (apesar de não ter nada de realmente surpreendente ou memorável).

No entanto não tem aquele feel dos anos 80 da mesma forma que o meu bacalhau, apesar de ter sido feito a partir da mesma receita, não sabe ao mesmo que o da minha avó. Ao não conseguir apelar à nostalgia acaba inevitavelmente por perder o seu maior trunfo.

Admito que, por exemplo, o The Hole do Joe Dante, que estreou em Portugal no início do ano, consegue transportar-nos para esse cinema de forma mais autêntica, mesmo sendo um filme com uma ambição diferente. Mas, pensando bem isso nem é de estranhar. Afinal de contas Joe Dante continua a ser Joe Dante e o J.J.Abrams, ao contrário do que gostaríamos de acreditar, não é o Spielberg.

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Se por um lado On Stranger Tides tem tudo aquilo que podíamos querer num filme do Jack Sparrow (veja-se o humor, as sequências de ação, a simplicidade, bons secundários e um vilão de respeito), por outro deixa de lado tudo aquilo que não funcionou tão bem nos últimos filmes (a duração excessiva, os inúmeros e confusos arcos narrativos, uma dupla de co-protagonistas desgastada e alguma pretensão artística injustificada).

Não é um filme totalmente despretensioso (nenhum blockbuster o é, nem que seja pela pretensão de querer fazer dinheiro), mas é um produto leve, honesto e divertido que volta a colocar Jack Sparrow na rota do The Curse of the Black Pearl, o primeiro e melhor filme dos quatro. Não é particularmente inspirado (Rob Marshall atuou aqui como um simples rotineiro que se limitou a copiar aquilo de bom que tinha o estilo de Verbinsky) mas é engenhoso q.b. e sabe ser impressionante quando quer, como prova a sequência do ataque das sereias que não deixa nada a dever aos delírios surrealistas de Gore Verbinski.

Tem um elenco forte, no qual se destaca, inevitavelmente, a adição de Penélope Cruz como uma versão feminina do Jack Sparrow, e o portentoso Blackbeard de Ian McShane, o novo e assustador nemesis de Sparrow. Mas talvez a principal novidade neste aspeto seja mesmo a ausência dos personagens de Orlando Bloom e Keira Knightley, uma dupla inconsequente que desviava a atenção para aquela que é a grande mais valia da saga e que a distingue de outros produtos do género (veja-se Prince of Persia). Estou a falar claro do Jack Sparrow de Johnny Depp.

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Mesmo que ainda seja cedo para chegar a uma conclusão definitiva sobre o talento de Duncan Jones (lembrem-se do estado de graça de Shyamalan ao fim de quatro filmes e olhem para ele agora), não posso deixar de ficar impressionado com o início auspicioso da carreira de realizador do rebento de David Bowie.

Assim de repente, poucos são os elementos comuns entre Source Code e Moon, a primeira longa-metragem do realizador. Se no seu primeiro filme, Jones optou pela perfeição formal, com planos meticulosamente compostos, em clara sintonia com o classicismo de Kubrick, Source Code é muito mais um frenético Hitchcock do século XXI, que tanto pode ser comparado a Die Hard, pela crueza e sobriedade da ação, como com o clássico de Harold Ramis, Groundhog Day, pelo engenhoso set up e respetiva estrutura narrativa (e já que estamos a falar de influências é inevitável referir Quantum Leap, uma série do início dos anos 90 à qual Source Code foi buscar grande parte da inspiração e que tem direito a uma homenagem através de um interessante "cameo vocal".)

Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) é um piloto da força aérea norte-americana que se vê envolvido num projeto militar que permite revisitar os últimos 8 minutos de um determinado incidente. Neste caso, Stevens é enviado para o corpo de um dos passageiros de um comboio que foi alvo de um terrível atentado terrorista e tem 8 minutos para descobrir o que se passou. À boa maneira dos videojogos, a sua participação no projeto assenta numa dinâmica de trial and error. Pode revisitar o cenário as vezes que quiser (digamos que tem Continues ilimitados) desde que no final descubra o que se passou.

Por muito complexo que possa ser o sistema que permite as viagens quânticas do protagonista (não são viagens no tempo, porque não pode se alterar o que já aconteceu), o argumento (numa manobra sensata) simplesmente está-se nas tintas para isso. Ao contrário de Inception (um filme que se pode inserir no mesmo género mas que opta por uma abordagem muito mais auto-explicativa), Source Code prefere omitir as explicações, o que acaba por reduzir consideravelmente as hipóteses de se contradizer. Sabemos apenas o essencial do conceito (vão ser feitas revelações, claro, mas nada que complique a perceção do espectador) e a partir daí é ver as peças a obedecerem a essas regras.

Desde o início que Jones consegue provar que conhece muito bem os mecânismos do thriller. Mal as luzes se apagam é criado imediatamente um clima de mistério e de extrema urgência que se vai desenrolando de uma forma inteligente e bem estruturada, sem se complicar em demasia e deixando sempre um espaço para que o espectador mais criativo possa divagar no micro universo onde decorre a ação (para isso muito ajuda a credibilidade e empatia dos personagens principais). 

É verdade que Source Code não é uma obra prima (tal como a Moon, falta-lhe aquele brilho narrativo para o elevar a um patamar de obra incontestável) mas vem provar duas coisas: se por um lado Duncan Jones ainda não tem um estilo definido (o que não é totalmente mau, pois revela humildade e progresso), é claramente um indício do talento do Ziggy Stardust Jr.

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Quando eu era uma pequena máquina devoradora de VHSs (no sentido figurado, claro), pensava que todos os filmes bons tinham sido feitos pelo Spielberg (e o adjetivo "bons" tem que se entender na ótica de um catraio de 8 ou 9 anos). Não havia Zemeckis, nem Donner, nem Dante. Só Spielberg. Muitos de vocês, agora, estão-se nas tintas para o Spielberg, mas o senhor nos anos 80 era Deus (pelo menos para um pré-adolescente que gostava de pipocas). Mas depois reparei que afinal o Back to the Future tinha sido realizado por um tipo com um nome estranho e fiquei confuso... E mais, afinal o Gremlins era de um tal Joe Dante.

Como eu era um puto de ideias fixas comecei a desenvolver uma teoria que só abandonei muitos anos depois (aliás... na realidade ainda não a abandonei totalmente). Eu não estava enganado. Tal como pensava, tudo tinha sido realizado pelo Spielberg. No entanto, para não se comprometer em caso de fracaso, o realizador de E.T. assinava os filmes mais arrojados com outros nomes. Por exemplo, Zemeckis era o Spielberg mais experimental, dos efeitos especiais e da ficção científica, enquando Joe Dante era o Spielberg mais negro (até porque Joe Dante é um nome demasiado cool para ser verdadeiro)

À medida que os anos 90 iam avançando, os pseudónimos de Spielberg começaram a perder força (ou a virar-se para a animação esquisita) até ninguém se lembrar deles. Qual não foi o meu espanto quando, ao passar pelo cinema, reparei que Joe Dante tinha regressado (a última vez que Dante se aventurou nos cinemas foi com um esquecível filme dos Looney Tunes, em 2003). Como até tinha acabado de levantar dinheiro, resolvi aventurar-me.

A premissa é simples. Dois irmãos descobrem um buraco sem fundo na cave da casa nova (que talvez leve até ao inferno! Quem sabe!). Nos entretantos conhecem a vizinha nova (pela qual o irmão mais velho fica apanhadinho, pois claro) que os vai ajudar a desvendar o mistério. Obviamente que não é um filme perfeito. Tem uma série de buracos no argumento (se fazia tanto mal abrir o alçapão, porque que é que o antigo dono da casa deixou as chaves mesmo ao lado do dito cujo?) e recorre mais vezes do que era aconselhável aos inevitáveis clichés que já eram velhos há duas décadas e meio atrás. No entanto é um filme genuíno. As personagens estão bem construídas, as situações credíveis o suficiente, e consegue criar uma atmosfera própria, recheada daquele vibe dos anos 80, assustador mas ao mesmo tempo inocente.

O cinema evoluiu e com ele a linguagem cinematográfica. Ganharam-se umas coisas mas perderam-se outras. Em pleno século XXI perdeu-se a inocência sombria e ingenuidade do entretenimento "para toda a família" de outros tempos. Bem vindo de volta, Spielber... oops, Joe Dante.

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The Troll Hunter (ou Trolljegeren no original) segue um grupo de estudantes universitários que começa por investigar o abate ilegal de ursos, algures na Noruega, e acaba por se ver envolvido numa caça ao Troll de proporções épicas (se derem uma vista de olhos ao trailer americano, podem ver que a coisa tem um ótimo aspeto)

Em primeiro lugar, e não é vergonha para ninguém, é preciso admitir que este é um filme bonito. As paisagens são fantásticas e os efeitos visuais são deveras impressionantes (principalmente para um filme europeu). Mas por alguma razão o realizador André Øvredal achou que isto se adequava ao ultra saturadíssimo género das found footages.

Não é por acaso que o found footage é usado, quase exclusivamente, em filmes de terror (veja-se Cloverfield, REC, Paranormal Activity). A composição atabalhoada e o ritmo frenético exigem um produto que consiga transmitir emoções fortes em pouco tempo. Não é, definitivamente, um formato que incite à contemplação.

Sim, Trolljegeren tem monstros gigantes mas não é, de forma alguma, comparável a Cloverfield. É uma aventura de fantasia, não um filme de terror. Tem tempos mortos que pedem uma planificação mais cuidada e momentos contemplativos que se diluem completamente num formato despropositado. Quando o realizador não consegue ver o potencial daquilo que ele próprio criou, algo está irremediavelmente errado.

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Mais interessante do que fazer um grande filme a partir uma grande história, só mesmo fazer um grande filme a partir de uma curiosidade digna do Trivial Pursuit.

The King's Speech pega numa particularidade insólita de uma personagem relevante da história recente do Reino Unido, e transforma-a no ponto de partida de um pequeno tratado sobre a amizade e o poder da comunicação. O argumentista David Seidler construiu um conto meticulosamente equilibrado, salpicado de personagens entranháveis (apesar de ter também a sua quota parte de caricaturas) que assenta na luta de um homem contra uma incapacidade física e no poder da amizade nas relações entre classes.

Um dos grandes méritos de Tom Hooper, realizador nascido na televisão britânica, foi saber exatamente qual o seu lugar numa estrutura destas dimensões. Não foi exibicionista e soube deixar o caminho livre para os atores se exprimirem. Optou por planos abertos, com muitos espaços livres, criando um pequeno grande palco virtual onde Colin Firth e Geoffrey Rush nos brindaram com duas das mais brilhantes interpretações do ano.

Por outro lado, é impossível não ficar deslumbrado com o trabalho do diretor de fotografia Danny Cohen. Não estou a exagerar quando digo que 80 por cento dos planos deste filme podem ser perfeitamente usados como fundo do ambiente de trabalho.

Dito isto, concluo afirmando convictamente que considero The King's Speech o filme mais equilibrado do ano. Tecnicamente brilhante e recheado de grandes e bem dispostas interpretações, pode, no entanto, ser criticado pela academismo do seu realizador. Para mim essa passividade é um ponto de joga claramente a favor do bem geral da obra. Nem todos podem brilhar, por isso, à falta de génios que nos sirvam excelentes artesões.